Wie Popkultur und Klimaangst eine neue Generation von Tonkünstlern wachgerüttelt haben

Derzeit gibt es im ganzen Land keinen Mangel an Lehmkunstausstellungen. Im Museum of Arts and Design in New York: „Funk You Too! „Humor und Respektlosigkeit in Keramikskulpturen“ stellt 50 kühne Stücke aus den 1960er Jahren bis heute vor. LGBTQ+-Künstler stehen im Mittelpunkt von „Making in Between: Queer Clay“, das im American Museum of Ceramic Art in Pomona zu sehen ist. Und das Metropolitan Museum of Art hat gerade „Grounded in Clay: The Spirit of Pueblo Pottery“ erstmals vorgestellt, das vom Pueblo Pottery Collective kuratiert wurde und als „die erste von der Gemeinschaft kuratierte Ausstellung der amerikanischen Ureinwohner in der Geschichte der Met“ angekündigt wurde.

Zwei kürzlich eröffnete Ausstellungen in der Nähe von Mid-City Los Angeles fangen besonders die Bandbreite der Ideen zeitgenössischer Tonkünstler ein. „Wayfinding“, die dritte Tonbiennale von Craft Contemporary, zeigt die Arbeiten von 14 zeitgenössischen Künstlern, „die sich die kraftvollen physischen und metaphorischen Eigenschaften von Ton zunutze machen, um ihre Verbindungen zu Land und Wasser zu verkörpern“, wie auf der Website der Ausstellung beschrieben. Nur eine kurze Autofahrt entfernt bietet „Clay Pop Los Angeles“, kuratiert von Alia Dahl bei Jeffrey Deitch, einen spielerischen und mutigen Umgang mit Ton und konzentriert sich dabei auf Einflüsse der Popkultur.

Diese beiden Gruppenausstellungen beleuchten die Themen, mit denen sich zeitgenössische Tonkünstler beschäftigen – nämlich moderne Ängste rund um Industrialisierung und Klimawandel sowie die Erinnerung an die Vorfahren. Während zeitgenössische Künstler die Möglichkeiten der Keramikkunst weiter vorantreiben, nutzen sie die Verbindung des Mediums zu Natur, Zeit und Chemie, um sowohl globale als auch persönliche Erzählungen zu erforschen.

Eine Künstlerin, die mit Ton arbeitet, die in San Francisco lebende Courtney Mattison, schafft Arbeiten, die den Klimawandel hervorheben, und stützt sich dabei auf ihren Hintergrund in Meeresökologie und Umweltstudien. „Our Changing Seas IV“, entstanden zwischen 2016 und 2019, breitet sich in „Wayfinding“ über eine große Wand aus und lässt den Betrachter eintauchen. Mattison verwendet oft Alltagsgegenstände oder selbst hergestellte Werkzeuge, um die Textur von Korallenriffen sorgfältig nachzubilden.

„Ich möchte, dass die Leute das sehen, was ich sehe, wenn ich an einem Korallenriff tauche – dass sie das Gefühl haben, darüber zu schweben und Details aus jedem Blickwinkel zu entdecken“, sagte Mattison.

Diese Form des genauen Hinsehens erfordert, dass wir auch das Ausbleichen von Korallenriffen als Folge der steigenden Wassertemperaturen berücksichtigen. Mattisons Installation wechselt von farbenfrohen und lebendigen Farbtönen zu klaren, weißen Abschnitten und macht damit darauf aufmerksam, dass diese Ökosysteme noch am Leben sind – es sind ihre Skelette, die wir sehen.

„Es ist wichtig, dass das Medium meiner Arbeit Keramik ist, da Kalziumkarbonat sowohl ein Glasurbestandteil als auch die Verbindung ist, die von Korallen ausgefällt wird, um ihre steinigen Strukturen zu formen“, sagte Mattison. „Die chemische Zusammensetzung meiner Arbeit ähnelt nicht nur der eines natürlichen Riffs, sondern Porzellantentakel und die Körper lebender Korallen teilen auch ein Gefühl der Zerbrechlichkeit, das den Betrachter dazu zwingt, hinzusehen, aber nicht zu berühren.“

Basierend auf jahrzehntelanger Keramikarbeit bringt Joan Takayama-Ogawa auch Themen des Klimawandels in ihre Kunst ein, wobei in „Wayfinding“ mehrere Stücke zu sehen sind. Diese reichen von 30- bis 40-Zoll-ganz weißen Skulpturen, die an das Great Barrier Reef erinnern, bis hin zu 4-Zoll-Cupcakes aus Keramik mit Spritzstiften darin, deren „Zuckerguss“ keine Farbe hat.

Die Keramikstücke der Künstlerin und Pädagogin enthalten „gruselige Botschaften“ und tendieren gleichzeitig zur Schönheit, erklärt sie. Takayama-Ogawa erinnert sich, wie eine Studentin von Otis ihre „weißen Korallenstücke“ aus Guam, dem Heimatland der Studentin, mitbrachte. Das war im Jahr 2009; 2015 machte die Künstlerin das Bleichen von Korallenriffen zu einem wichtigen Bestandteil ihrer Praxis. Vor kurzem hat sie eine neue Richtung eingeschlagen: Sie verzichtet auf bunte Glasuren.

„Viele Leute sind überrascht, dass ich gerade in Weiß arbeite“, sagte Takayama-Ogawa. „Aber das liegt an der Absicht und dem Konzept – und an der Geschichte der gebleichten Korallen.“

Die sich verändernde Landschaft und die Auswirkungen des Menschen auf das Land spielen in vielen der ausgestellten Werke eine Rolle. Der Pueblo von Isleta und Navajo-Künstler Rowan Harrison sagt, dass zu seinen Wurzeln im Südwesten „eine starke traditionelle Abstammung gehört, wenn es um die Arbeit mit Ton geht“. Der in Fullerton ansässige Keramiker zeigt in „Wayfinding“ mehrere Werke, die alle von Hand gefertigt und bemalt sind. Zwei Werke ohne Titel sind besonders auffällig, da sie Harrisons Herangehensweise an Mixed Media veranschaulichen. Ein Gefäß aus einheimischem Ton, das Harrison manchmal selbst gräbt, ist mit verrosteten Nägeln durchbrochen. Die Formen bergen gegensätzliche Welten: die Erdenergie des Tons im Gegensatz zum massenproduzierten Nagel.

„Es gab Situationen, in denen wir Familie, Freunde und Stammesmitglieder verloren haben, weil die Industrialisierung in unser Heimatland vordrang oder dort vordrang“, sagte Harrison. „Die Metallteile repräsentieren diese Art von Technologie. … Ich versuche, diese Harmonie oder dieses Gleichgewicht, wenn Sie so wollen, darzustellen.“

Als Inspiration für sein Interesse an Assemblage nennt der Künstler Robert Rauschenberg, George Herms und Bruce Conner. Harrison kombiniert oft „traditionelle südwestliche Pueblo-Motive“ mit zeitgenössischeren Designs; Er nimmt oft Halterungen, Türklingelabdeckungen und Maschinenteile mit und bringt sie ins Studio, um zu sehen, wo er sie einbauen kann.

„Ich betrachte mich als einen dieser indianischen Künstler, der mit einem Fuß in der traditionellen Welt und auch mit einem Fuß in der zeitgenössischen Welt steht – das liegt an den Materialien, die ich verwende, und auch an den Designelementen“, sagte Harrison.

Auch Lizette Hernández, deren Arbeiten sowohl in „Wayfinding“ als auch in „Clay Pop Los Angeles“ zu sehen sind, denkt viel über die Verbindung zwischen Tradition und unserem gegenwärtigen Moment nach. Der in Los Angeles lebende Künstler schuf eine Reihe von Raku-gebrannten Werken für Craft Contemporary; Bei Jeffrey Deitch können Sie drei Stücke aus Glasur und Glas auf Steingut sehen, die ebenfalls in diesem Jahr fertiggestellt wurden.

Hernández wuchs in einem religiösen Elternhaus auf und war mit christlichen Ikonographien und heiligen Gegenständen vertraut. Titel wie „Cielo, Tierra, Guía, Guardia“ (der Name ihrer Stücke bei Jeffrey Deitch, der grob übersetzt „Himmel, Erde, Führer, Wächter“ bedeutet) erinnern an Geschichten von Ahnenführern und himmlischen Wesen. Aber sie sieht Ton als „ein spirituelles Material außerhalb jeglicher Religiosität“. Ihre Arbeit lässt sich von Altarbildern und Schreinen inspirieren, um eine umfassendere Definition heiliger Objekte zu erforschen.

In ihren visuell komplexen, mit Raku gebrannten Stücken bei Craft Contemporary nutzt sie die Oxidation von Glasuren und hinterlässt Abdrücke ihrer Hände im Ton, wodurch die Zusammenarbeit zwischen ihr und dem Material betont wird. Hernández überlegt sorgfältig, wie sich Wasser auf Ton auswirkt, selbst nachdem er verdunstet ist – „das Material behält seine Form, also behält es die Erinnerung“, sagte Hernández.

In beiden Shows ist der Respekt und die Begeisterung für die Möglichkeiten von Ton in unserer heutigen Zeit spürbar. Im Vergleich zu anderen Medien besitzt Ton eine gewisse Alchemie, Chemie und Transformation, die mit seiner Mystik verbunden ist.

„Es gibt so viele Dinge, die schief gehen können, aber es gibt auch ein so großes Gefühl der Zufriedenheit, wenn man die gewünschten Ergebnisse erzielt“, sagte Mattison. „Manchmal kann man den Ofen öffnen und etwas bekommen, das noch besser ist, als man erwartet hat.“

Bei aller Zerbrechlichkeit steckt in Keramik auch eine angeborene Kraft: Man weiß nie, was dabei passieren kann, aber darin liegt die Magie.

„Der Ofen ist der große Ausgleich und hält die meisten von uns ziemlich bescheiden“, sagte Takayam-Ogawa. Hernández greift dieses Gefühl auf und beschreibt ihre Beziehung zu dem Prozess als „Kapitulation“.

„Ich versuche, den Ton zu umarmen und ihm zu erlauben, sozusagen sein eigenes Leben zu führen, denn das tut er. Es geht um Erfahrungen, die ich nicht erleben kann“, sagte Hernández. „Es wird extremer Hitze ausgesetzt und interagiert mit verschiedenen Chemikalien … ich habe nur die Kontrolle darüber, dass meine Hände damit in Berührung kommen.“

Melden Sie sich für LA Goes Out an, einen wöchentlichen Newsletter der LA Times über das Erkunden und Erleben von Los Angeles.

Diese Geschichte erschien ursprünglich in der Los Angeles Times.