Die 10 besten Dinge, die wir beim Salone del Mobile gesehen haben

Von mit Lametta verzierten Stühlen bis hin zu einer Leuchte, die sowohl an eine Raupe als auch an einen Kuchen erinnert – einige Highlights der jährlichen Designmesse in Mailand.

Das italienische Designbüro Dimore Studio hat in einer Galerie eine Reihe thematischer Räume geschaffen, die durch Löcher in der Wand betrachtet werden können. Bildnachweis: Andrea Ferrari

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Von Ella Riley-Adams

In diesem Jahr kehrte die Mailänder Designmesse Salone del Mobile, die am Sonntag zu Ende ging, zu ihrem präpandemischen Zeitplan zurück. Es war eine willkommene Abwechslung für die Teilnehmer, die nicht nur die große Auswahl an Möbeln und Dekorationen, sondern auch die Schönheit des Frühlings in Italien genießen konnten. (Die letztjährige Messe wurde verschoben und fand in einem besonders schwülen Juni statt.) Von den überfüllten Gehwegen aus wirkten die Innenhöfe der Stadt grüner und einladender als je zuvor. Und die Veranstaltungen und Ausstellungen der Woche hatten einen ähnlichen Reiz und boten Zugang zu Räumen, die nicht immer leicht zu sehen sind – die jährliche Salone-Party von T zum Beispiel gab den Gästen die Möglichkeit, nachts durch die Villa Necchi Campiglio zu schlendern – sowie Momente der unerwarteter Zauber. Hier ein paar Dinge, die einen bleibenden Eindruck hinterlassen haben.

Im neoklassizistischen Innenhof des Palazzo Isimbardi aus dem 16. Jahrhundert, in dessen Mitte eine Reihe von Skulpturen standen, die übergroße Pilze darstellten, zeigte das spanische Modehaus Loewe eine Sammlung von Stühlen auf kleinen Sockeln in Marineblau, Rot und Grau. Darunter befanden sich 30 Stabstühle – größtenteils antik, mit flotten, gespreizten Beinen und Spindelrücken –, die vom Kreativdirektor der Marke, Jonathan Anderson, in Zusammenarbeit mit mehreren Kunsthandwerkern verschönert worden waren. Einer war mit fliederfarbenem und moosgrünem Filz bedeckt, der andere mit Bastschlaufen in den Funfetti-Tönen. Es gab auch acht korbartige Stühle, die der belgische Möbelhersteller Vincent Sheppard mit einer im Ersten Weltkrieg erfundenen Technik hergestellt hatte, bei der Papier um Metalldraht gewickelt und dann maschinell gewebt wird, wodurch ein Material entsteht, das widerstandsfähiger ist als sein ästhetischstes Gegenstück, Rattan . Auf einem davon tauchte das Pilzthema erneut auf: Der Sitz wurde so bemalt, dass er wie ein Fliegenpilz aussah, rot mit unregelmäßigen weißen Punkten.

Das in Arles, Frankreich, ansässige Design- und Forschungslabor Atelier Luma bringt Biologen, Künstler, Landwirte und Ingenieure zusammen, um nachhaltige Materialien zu erforschen. Die Stars der Präsentation bei Alcova – der weitläufigen zeitgenössischen Designschau, die dieses Jahr in den Ruinen eines ehemaligen Schlachthofs stattfand – waren eine Reihe farbenfroher zylindrischer Hocker aus recyceltem Biokunststoff, Mikroalgen und Pflanzenmaterialien; Sie sind leicht, aber robust und können gestapelt werden, um eine gewünschte Höhe zu erreichen diente auf der Messe auch als Handtrommel für mehrere kleine Kinder. Das Labor zeigte auch andere Experimente, darunter hoch aufragende säulenförmige Stehlampen aus komprimiertem Salz mit eingebetteten LEDs und einen jurtähnlichen Pavillon, der mit brauner Filzwolle bedeckt war und laut Wandkarte die „ästhetischen und schallabsorbierenden Eigenschaften“ des Materials demonstrieren sollte. ”

Die italienische Designerin Lucia Massari wurde in Venedig geboren und gründete nach einiger Zeit in London, wo sie am Royal College of Art bei den Designern Martino Gamper und Jurgen Bey studierte, 2013 ein Studio in der Stadt. Für Salone arbeitete sie mit mit mehreren Murano-Glasmachern an einigen Installationen. Ihre bauchigen Animalier-Vasen, die an geschmolzene Fischschalen erinnern, mit Henkeln in hellen Primär- und Pastelltönen, waren als Teil der Gen D-Serie von Dolce & Gabbana Casa zu sehen. Bei Alcova präsentierte sie eine Stehlampe mit zwei Gesichtern, jeweils mit Glühbirnenaugen und einem Kranz aus Glasblumen. Am faszinierendsten war jedoch Toppings, eine Kollektion pastellfarbener Pendelleuchten, die in der Galerie Nilufar Depot gezeigt werden und wie Raupen gebogen und mit Glaslocken verziert sind, die ihrerseits mit Blütenblättern gesäumt sind. Massari sagte, sie sei von Süßigkeiten und Buttercreme-Zuckerguss inspiriert worden, als sie sich das Design ausgedacht habe.

In ihrem neuen Dimore Centrale-Hauptquartier und ihrer neuen Galerie, die letztes Jahr auf der Messe eröffnet wurde, präsentierten die Dimore Studio-Designer Britt Moran und Emiliano Salci eine Reihe von Szenen, in denen sie Vintage-Möbel mit ihren eigenen Stücken kombinierten, jedes mit einer eigenen Erzählung und Ästhetik. Die ersten vier Räume – darunter Ambulatorio a Chicago (Klinik in Chicago), das an die Praxis eines Therapeuten erinnern soll, und Pied-à-Terre con Vista Napoli (Pied-à-Terre mit Blick auf Neapel), geschmückt mit handgefertigten blaugrünen Fliesen – konnten nur durch Löcher in ihren Wänden gesehen werden. Es gab Fenster zum fünften und größten Raum, der von den Werken der modernistischen Architekten Marcel Breuer und Ludwig Mies van der Rohe inspiriert war und Stücke von ihnen enthielt: einen Korbsessel D52 von Mies van der Rohe und einen Breuer-Schreibtischstuhl aus Rohrgeflecht. Die neuen Teppichdesigns des Studios, die in Zusammenarbeit mit der französischen Innenarchitekturfirma Pierre Frey entstanden waren, waren überall zu sehen (im Büro des Therapeuten bedeckte das grüne Iris-Field-Muster sowohl die Wände als auch den Boden), zusammen mit neuen Lampen und Stoffen Im letzten Raum lagen antike Betten aus einem Kloster.

Am Mittwochabend versammelte sich eine Menschenmenge in einem Pop-up-Buchladen, der vom Einrichtungsmagazin „Apartamento“ organisiert wurde, zu einer Party zur Feier der Monografie des Designers Misha Kahn „Casually Sauntering the Perimeter of Now“. Im Vorfeld von Kahns erster Einzelausstellung in der Galerie bei Friedman Benda in Los Angeles später in diesem Monat wirft das Buch einen Blick auf 10 Jahre seiner Arbeit mit Fotografien fertiger Produkte – darunter ein Bronzetisch mit dem treffenden Titel „Tingle Tangle Mingle Mangle“ und eine Couch aus ineinandergreifenden irdenen Steinen. farbige Kringel mit dem Titel „Mole Eats Worm“ – neben Skizzen und Bildern laufender Arbeiten. Der Text, der Gespräche zwischen Kahn (Partner des T-Redakteurs Nick Haramis) und anderen kreativen Menschen, darunter dem Modedesigner Dries Van Noten und der Kuratorin Su Wu, enthält, ist mit handschriftlichen Anmerkungen von Kahn selbst überlagert. Für die Mailänder Veranstaltung fertigte der Designer 50 jenseitige Schutzumschläge an, einige davon aus bauschigem Gussschaum, andere mit eingebetteten außerirdisch aussehenden Glaskügelchen; eine kissenartige Version aus glänzend rotem Harz war schwerer, als sie aussah. Aber auch wer keinen Schutzumschlag in die Finger bekommt, kann sich über den spielerischen Umgang mit Materialien freuen: Das Buch selbst ist mit rosa Samt überzogen.

Die in New York ansässige Lichtdesignerin Lindsey Adelman übernahm einen Raum im Alcova und verwandelte ihn in eine ruhige, himmlische Ecke, indem sie die Wände schwarz strich und eine Reihe funkelnder Stücke für ihre Ausstellung „Soft Opening“ installierte. Zwei leuchtende Glasklumpen (Rock Lights genannt) klebten an Mineralienbrocken – weißem, fragmentiertem Selenit und dunkelgrünem Jaspis –, die in einem ehemaligen Kamin versteckt waren. Auf der anderen Seite des Raumes hing eine Gruppe von Adelmans beleuchteten Mobiles, deren Bronzearme mit Stücken aus klarem Quarz, gestrickten Ketten oder gesprenkeltem türkisfarbenem Malachit verziert waren. Ihr Licht schien von weiteren herabhängenden Glaskugeln, umgedrehten Tellern und Keramikkugeln. Die Stücke – Teil der ersten Kollektion von Adelmans LaLAB-Projekt, einem experimentellen Ableger ihres Studios – erinnerten an eines der frühen Mobiles des Künstlers Alexander Calder, bestehend aus Knöpfen und Glassplittern, die an dickem Messingdraht aufgehängt waren.

Zu den zahlreichen Designbeiträgen des italienischen Architekten Tobia Scarpa gehört eine Vielzahl surreal geformter Lampen, darunter eine Pendelleuchte aus Harz, die einer Wolke ähnelt (die Nuvola für Flos) und eine Wandleuchte mit einem quadratischen Stoffschirm, der mit einem Drachen verwechselt werden könnte ( die Ariette, auch für Flos). Auf dem Salone stellte er seine neueste Beleuchtungskollektion vor, Eitie, eine einfache, aber auffällige Reihe von Teilen für Cassina, bestehend aus LED-Leisten, die mit kreisförmigen Metallverbindungen in Schwarz und Silber oder Rot und Gold in verschiedenen Formationen verbunden sind. Eine Pendelleuchte hat die Form eines Dreiecks, eine andere besteht aus einer einzelnen Linie und die Tisch- und Stehleuchten bestehen aus jeweils zwei Stangen, den Winkeln davon kann um 30 Grad verstellt werden, um unterschiedliche visuelle Effekte zu erzielen. Der palindromische Name der Serie ist eine Anspielung auf Scarpas Alter von 88 Jahren.

Der Veranstaltungsort für die Ausstellung „Desacralized“ der Galerie Philia war passenderweise eine entweihte Kirche aus dem 11. Jahrhundert. (Der Galerie zufolge wurde es zuvor als Spielplatz und Basketballplatz genutzt.) Die 25 teilnehmenden Designer wurden gebeten, über die Idee der Entsakralisierung nachzudenken, oder genauer gesagt, wie ein religiöser Gegenstand zu einem funktionalen, alltäglichen Gegenstand werden könnte. Die einzige von der Gruppe festgelegte Anforderung bestand darin, dass alle Teile weiß sein sollten. Sie reichten von einer Reihe zusammengerollter Muschelleuchten der Pariser Designerin Elsa Foulon – die sich auf die Muschel als Symbol der Taufe und Pilgerfahrt im Christentum stützte – bis hin zu einem kreisförmigen Kronleuchter, der vom italienischen Designduo Morghen Studio entworfen und aus ihrem modularen Fabric Flexible gefertigt wurde Licht mit Messing. Auch der Modedesigner Rick Owens steuerte ein neues Stück bei, den Tomb Chair, einen länglichen Sitz aus stark geschnittenem weißem Marmor, aus dessen Rückenlehne ein Elchgeweih ragt.

Unter den geschwungenen Decken einer ehemaligen Garage (heute Teil der Galerie Spazio Maiocchi) die schwedische Die Parfümmarke Byredo veranstaltete „Bal d'Afrique“, eine Ausstellung der amerikanischen Designerin Dozie Kanu, die sich vom gleichnamigen Parfüm des Unternehmens inspirieren ließ. Die Besucher betraten den Raum durch einen Flur, der Vitrinen voller Fotografien enthielt, kuratiert von Adjoa Armah, die im Rahmen ihres Projekts Saman Archive Fotonegative aus Ghana sammelt. Einige Bilder stammen aus den 1960er Jahren, die meisten stammen jedoch aus den 80er bis 2000er Jahren. Viele zeigten feierliche Szenen, von Clubnächten bis hin zu spirituelleren Momenten wie einer Taufe. Am Ende des Korridors befand sich ein Pavillon, dessen Wände aus rotbraunem Korbgeflecht bestanden und von Aluminiumstreifen eingefasst waren. Darin und um ihn herum stellte Kanu, der in Houston als Sohn nigerianischer Eltern geboren wurde, Möbelstücke und Gegenstände aus, darunter vier gefundene Waschmaschinentrommeln, die mit farbigem Glas bedeckt waren, um an das Musikinstrument zu erinnern, und „Foremothers“ (2019), ein Ein sechs Fuß hohes Pendel aus Bohrstangen, an dem eine westafrikanische Statuette hing, die darunter in den Sand kritzelte.

Vor Jahren stieß die Mailänder Möbelherstellerin Osanna Visconti auf einen Bambuswald in einem venezianischen Garten, der vom englischen Landschaftsarchitekten Russell Page aus dem 20. Jahrhundert entworfen worden war. Dieses Bild hatte sie im Kopf, als sie ihre neuesten Bronzearbeiten schuf, die in der Nilufar Depot-Galerie zu sehen waren. Vor einem Hintergrund aus wasserfarbenem Moiré-Stoff präsentierte Visconti einen Kronleuchter aus gestapelten bronzenen Bambusstangen, einen dünnen Tisch mit blattförmigen Querstreben, mit blauem Samt gepolsterte Hocker mit Bambusbeinen und rechteckige, von Stöcken umgebene Spiegel. Wie viele von Viscontis Entwürfen bewiesen auch diese mit ihren asymmetrischen organischen Formen, dass Bronze ebenso subtil und ausdrucksstark wie monumental sein kann.